Álvaro Negro "El tambor en el bosque"
F2 GALERÍA . DOCTOR FOURQUET 28. 28012 MADRID. SPAIN.
Sábado, 14/Noviembre/2015 Sábado, 9/Enero/2016
Las obras que Álvaro Negro presenta en esta, su primera exposición en la Galería F2, son eclécticas y varían en técnica y soporte; sin embargo, más allá de las primeras impresiones, parece haber algo esencial que las une y que tiene que ver con un cierto “espíritu” que a modo de resonancia se va conformando según percibimos la exposición en su conjunto. La ligazón parece asentarse en una tendencia hacia posiciones conceptuales que trascienden cuestiones de figuración-abstracción o de estilo pictórico, tal y como ocurre entre los dos cuadros de gran formato que protagonizan la exposición: Columna I y Cadro-tumba. Formalmente parecen opuestos: un óleo sobre lino donde se representa un paisaje de reminiscencias “impresionistas” –para entendernos–, y un espejo abstracto próximo a la manera negra del grabado; sin embargo, y hablamos ahora de afinidades, tanto la columna protagonista en el centro del paisaje como la partición central-vertical en el espejo se aproximan por influjo mutuo, como si el “cuadro-tumba” fuese la sombra abstracta del “cuadro de la columna”. De hecho estas dos obras pueden servirnos como los hitos desde los que explicar la exposición, pero también para desplegar una visión más amplia de la obra de Álvaro Negro en los últimos cinco años.
Siguiendo la cronología hacia atrás nos encontramos con el proyecto matriz Natureza! estás soa? (2009-11), el cual surgió a partir de las filmaciones en el lugar de Monteagudo, paraje del interior de la Galicia rural donde el escultor Ülrich Rückriem había ubicado uno de sus conjuntos escultórico-monumentales. El proceso de filmación se dilató a lo largo de más de dos años durante los cuales se fue conformando una lógica que guardaba cierta analogía con la lógica constructiva de las esculturas de Rückriem, como de “corte” a partir del bloque. La composición del encuadre situaba las esculturas en una relación de figura-superficie respecto al fondo-paisaje: cuadrado o rectángulo como centro del plano, encuadre a tres bandas verticales con alternancias de posición entre la figura y el fondo, etc. Pero más allá de estos aspectos formales es importante resaltar que toda la experiencia, su intensidad, hizo que Monteagudo se convirtiera en el particular Sainte-Victoire de Álvaro Negro, en el “motivo”, centro y eje desde el que su obra ha evolucionado tanto formal como conceptualmente. Como mayor evidencia está el hecho de que este paisaje también fue el camino de retorno a la pintura, la cual había abandonado por un largo período de tiempo.
Columna I (2012-15) es el ejemplo más directo y ambicioso. Un lino de más de tres metros que parte de uno de los fotogramas de la película, es decir, de un elemento codificado y que a priori ya evita una lectura del cuadro en cuanto representación de “lo natural”. Si el fotograma fue la imagen-índice, una guía y una herramienta de análisis sobre el encuadre, el color, etc., fue la memoria de la experiencia física la que intervenía una vez que el proceso pictórico entraba en ebullición. En palabras del artista: <el cuadro, el ojo, el cuerpo, se sincronizaban en cada pincelada, en el ritmo de la mano, y el clima del cuadro se manifestaba como cuando un intérprete musical ya no necesita de la partitura pues la ha interiorizado. ¡Y no!, no se trata de automatismos, sino de cuando en el proceso la imagen ya es pintura y de cómo a través de la pintura empieza a entreverse de nuevo el paisaje, ese paisaje>.
Si observamos las obras más recientes también apreciamos composiciones deudoras de los encuadres geométricos de Monteagudo; y lo mismo con otras características, como un carácter “orgánico” que se ha trasladado no sólo visualmente (influencias en el color –esa variedad de verdes y las veladuras con sus matices desleídos y atmosféricos), también a niveles menos evidentes donde “lo pétreo” se traduce en un énfasis en la superficie, sea la del propio soporte o en la textura de la pintura, la cual se trabaja a modo de materia escultórica: pinceladas o brochazos rotundos y manchas moldeadas que tienden a producir sensaciones claramente hápticas.
Resumiendo la cronología hablaríamos de la experiencia de un paisaje que se ha codificado en diferentes fases: la captación cinematográfica directa, la traducción pictórica a paisaje-materia-color, y su abstracción hasta niveles elementales de combinación fondo-figura, superficie-textura. En todo ello se vislumbra un modus operandi donde las obras han surgido acompasadas e influenciándose en un largo proceso que empezó en un grado-cero y termina con las obras, finalmente, en la exposición, donde son como los índices visuales de un pensamiento pictórico, escultórico, sobre lo que es en sí la percepción. Para ello se hizo necesario el ejercicio previo del agrimensor: la delimitación, la medida, e intuir el centro desde el que desplegar un axis mundi. Álvaro Negro lo ha encontrado en un lugar entre lo vernáculo y lo contemporáneo, un bosque donde cada golpeo en el tambor se expande hasta transformarse en el siguiente. Se viene a corroborar –como escribió Peter Handke– que el centro del mundo es el lugar del artista y puede estar en cualquier parte, así sea junto a una columna o desde el interior de una ruina arquitectónica; las motivaciones, la búsqueda, la percepción y lo que la trasciende, se dieron a ver donde los (dos) ojos, finalmente, estuvieron en casa.
Álvaro Negro, nacido en Lalín en 1973, es licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Vigo (1991-96) obteniendo la titulación de Maestro (MA Fine Art) en el Central Saint Martins College of Art & Design (University of the Arts London, 2002-03).
Desde el 2001 ha expuesto de manera constante en galerías y espacios públicos de España, Portugal e Italia. El 17 de diciembre próximo, se inaugura su primera exposición como comisario: Narrativas monumentales: figuras, paisajes y rituales, en el MAC Gas Natural Fenosa, A Coruña.
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Saturday, 14/November/2015 Saturday, 9/January/2016
The works presented by Álvaro Negro in his first exhibition at F2 Galería are eclectic and vary in technique and format; however, beyond the first impression, there seems to be something special that links them together: this has to do with a certain “spirit” which, like an echo, takes shape as we view the exhibition as a whole. This tie seems to rest on a tendency that slants towards a conceptual stance and goes beyond topics of figuration-abstraction or a pictorial style and takes place between the two large-sized paintings that are the protagonists of the exhibition: Columna I [Column 1] and Cadro-tumba [Tomb- Painting]. Formally, they seem opposites: an oil on canvas representing a landscape with “impressionistic” reminiscences – to label it for the sake of clarity – and an abstract mirror something like a mezzotint. However – and now talking about affinities – both the main column in the centre of the lands- cape and the central-vertical partition in the mirror approach each other with a mutual influence, as if the “tomb-painting” were the abstract shadow of the “column painting”. Indeed, these two wor- ks are useful as highlights from which to explain this exhibition, but also to unfold a broader vision of Álvaro Negro’s body of work created over these past five years. Looking back chronologically, we encounter the original project Natureza! estás soa? [Nature, Are You Alone?] (2009-2011) which arose from filming at Monteagudo – a spot in inland rural Galicia – where the sculptor Ülrich Rückriem had located one of his monumental-sculptural sets. During the filming process, which lasted for over two years, a logical sequence that had certain similarities with the constructive sequence of the sculptures by Rückriem took shape – a logical sequence that was a sort of “cut” from the block. The composition of the frame placed the sculptures into a figure-surface relationship with the background-landscape: square or rectangular shapes in the centre of the plane, a frame of three vertical bands whose position alternates between the figure and the background, etc. But beyond these formal aspects, it is important to highlight that the entire experience, its intensity, turned Monteagudo into Álvaro Negro’s particular Sainte-Victoire – into the “motif”, centre and axis from which his work has evolved both formally and conceptually. The main evidence of this is the fact that this landscape was also his path back to painting which he had abandoned for a long time.
Columna I (2012-2015) is the most direct and ambitious example. A canvas measuring over 3 metres and based on one of the stills from the film, in other words, a coded element that prevents a prior reading of the painting as a representation of “something natural”. If the still was a portending image, a guide and tool for an analysis of the framing, colour, etc., it was the memory of the physical experience which intervened once the pictorial process had really begun to get going. As the artist said: “The painting, the eye, the body, were synchronised in each brushstroke, in the tempo of the hand, and the atmosphere of the painting expressed itself in the way that a musician no longer needs a score as they have internalised it. And in fact, it is not automatism – instead, it is about when, in the process, the image is already a painting and about how through the painting, the landscape – this landscape – starts to be glimpsed again.”
If we observe his most recent work, we also see compositions that owe something to the geometrical frames from Monteagudo; and the same goes for other characteristics, such as an “organic” feel which has been transferred not only visually (influencing the colours – the variety of greens and the gauziness with its muted, atmospheric nuances) but also on less evident levels in which “the stoniness” is reflected by emphasising the surface, either that of the format itself or the texture of paint which is worked in a sculptural way: strong, decisive brushstrokes and moulded patches that lead to the creation of very tactile sensations.
Summarising the chronology, we can talk about the experience of a landscape that has been encoded in different stages: the direct film capture, the pictorial translation into landscape-matter-colour, and its abstraction to elemental levels of background-figure, surface-texture combinations. In all this a modus operandi can be made out in which the works have emerged in a synchronised way and influence each other in a long process that started at “degree zero” (see Barthes) and eventually ends with the exhibition of the artworks where they are like visual indicators of pictorial, sculptural thought, about what perception is per se. To do so, the prior work of a surveyor was needed: delimitating, measuring, and finding the centre from which to unfold an axis mundi. Álvaro Negro has found it in a place somewhere between the vernacular and the contemporary: woods in which each beat of the drum is expanded until it becomes the next beat. This seems to confirm – as Peter Handke wrote – that the centre of the world is the place of the artist and can be anywhere, either by a column or inside an architectural ruin; the driving force, the search, the perception and what transcends it, can be understood when the (two) eyes, finally, reach home.
Álvaro Negro, born in Lalín in 1973, holds an Arts degree from the University of Vigo (1991-1996) and an MA in Fine Arts from Central Saint Martins College of Art & Design (University of the Arts London, 2002-2003).
Since 2001 he has continuously exhibited his work in galleries and public spaces in Spain, Portugal and Italy. Next 17 December, his first exhibition as curator will open: Narrativas monumentales: figuras, paisajes y rituales [Monumental Narratives: Figures, Lands- capes and Rituals], at the MAC Gas Natural Fenosa, A Coruña.